クラシック音楽のコンサートに足を運ぶと、指揮者を取り囲むように奏者が半円形に並ぶ光景を当たり前のように目にします。しかし、この伝統的な配置が本当に最高の音を響かせる唯一の正解なのでしょうか。録音プロデューサーとして数々の名盤を世に送り出してきた西脇義訓さんは、2013年に当時65歳という情熱溢れる年齢で自らの貯金を投じ「デア・リング東京オーケストラ」を設立しました。彼は、既存の枠組みに縛られない自由な演奏こそが、奏者を幸福にし、聴衆に未知の感動を届けると確信しているのです。
西脇さんの挑戦は、まさに「音の実験室」と呼ぶにふさわしい大胆な試みの連続です。例えば、2013年の旗揚げ公演で披露されたブルックナーの交響曲第3番「ワグネル」では、半円形ではなく学校の教室のように全員が正面を向く配置を採用しました。また、メンデルスゾーンの「イタリア」では、同じ楽器が隣り合わないようメンバーをシャッフルするという驚きのフォーメーションを実現しています。SNS上では「楽器が混ざることで、これまでにない立体的でクリスタルな響きがした」と、その斬新な音響体験に驚嘆する声が上がっています。
こうした特殊な配置には、音楽的な深い意図が隠されています。隣に同じ楽器の仲間がいない状況では、奏者は周囲の音をより繊細に聴き取らなければならず、結果としてオーケストラ全体が巨大な「室内楽（少人数での重奏）」のような親密なアンサンブルへと進化するのです。西脇さんが重視するのは、ホール全体を一つの楽器として鳴らし切る「空間力」という概念です。特定のパートが突出するのではなく、音が空間に溶け合い、独自の色彩や香りが立ち上る瞬間を彼は追い求めています。
歴史を紐解き、理想の音色を追求するプロデューサーの視点
私たちが現在「標準」だと信じている楽器配置は、実は歴史的に見ればわずか100年程度の歴史しかありません。西脇さんは、メンデルスゾーン自らがタクトを振った時代には、現代とは全く異なるバイオリンの配置が存在した事実を指摘します。常識という名の固定観念を脱ぎ捨て、音楽が最も輝く形を模索する彼の姿勢からは、音楽への純粋な愛が伝わってきます。かつて銀行の内定を辞退し、名門レコード会社の日本フォノグラムに飛び込んだ若き日の情熱は、今も全く衰えることなく燃え続けているのでしょう。
西脇さんが現場で学んだフィリップス・レコードの伝統である「ホールの響きを生かす録音哲学」は、現在の活動の大きな柱となっています。過度な編集に頼らず、その場に流れる空気感ごと記録する手法は、音楽の持つ生命力を最大限に引き出します。2018年08月に行われた初のコンサートを収録したCDの発売も間近に控え、多くのファンがその「空間の芸術」を自宅で再現できる日を心待ちにしています。彼の作り出す音は、デジタルの時代だからこそ、血の通った生の響きの大切さを教えてくれるはずです。
そして2019年09月には、東京オペラシティにて待望の第2回コンサートが開催される予定です。演目はシューベルトの「未完成」とブルックナーの交響曲第7番という、深い響きが要求される名曲たちです。気になる座席配置については当日まで秘せられており、観客は会場に入った瞬間にその「魔法の仕掛け」を目にすることになります。私自身、音楽は「耳」だけでなく「目」や「空間」で感じるものだと強く感じており、彼の試みは停滞しがちなクラシック界に新しい風を吹き込む素晴らしい革命だと確信しています。
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